Marco Tirelli

Senza Titolo

2012

Le quattro sculture in legno di Marco Tirelli, Senza titolo 2010, sono opere autonome, che si concludono ognuna in se stessa, ma esposte insieme formano un breve archivio delle sue soluzioni formali, o almeno di alcune soluzioni. Si tratta di un’esportazione di figure care a Tirelli, note sulla tela e sulle carte, una sorta di trasposizione tridimensionale di una poetica sperimentata su altri supporti.

Mentre nei lavori bidimensionali Tirelli estrae le figure dall’oscurità e dall’ombra, come fosse l’epifania di un accadimento lento, del mostrare cosa c’è dietro, oltre, più in là del semplice visibile; nelle sculture questo lato si evolve e si trasforma in un gioco di artificio e natura.

Le quattro sculture sono composte da innumerevoli strati sottilissimi di legno, dischi torniti, sagomati, sovrapposti, come fossero gli anelli di un albero reale, vivo, e in crescita. Danno un senso di espansione circolare, queste sculture, come quando un sasso viene gettato nell’acqua.

Prima di queste, Tirelli ha già portato avanti lavori sperimentali modellando le tre dimensioni giungendo, nel 2009, alla soluzione delle sculture in acciaio corten.

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La Pinacoteca Nazionale di Bologna ha sede nello stesso edificio che ospita l’Accademia di Belle Arti e la Soprintendenza per il Patrimonio Storico Artistico ed Etnoantropologico di Bologna, un complesso dove si fondono esposizione, tutela, conservazione e studio del patrimonio artistico cittadino e regionale. I due istituti si trovano nell’ex noviziato gesuita di Sant’Ignazio, comprendente il convento e la chiesa progettata da Alfonso Torreggiani nel XVIII secolo.

Silvano Tessarollo

Disegno Semplice

2011

Disegno a grafite su carta Fabriano

Cm 210×200

Courtesy: Galleria Michela Rizzo, Venezia

La capacità di manipolare instancabilmente la materia è centrale in tutto il lavoro di Silvano Tessarollo, a tal punto che è lecito supporre che egli sia artista per pratica, per impulso ad operare e non, come converrebbe dire o supporre, per pensiero. Non certo che il pensiero sia assente, ma è sempre indietro, che insegue stancamente l’uomo artigiano che è abituato a sgambettare: lo spazio della riflessione è ex-post, a fatto compiuto. Dobbiamo sapere questo per arrivare a capire come egli si è mosso da un senso barocco e strabiliante della materia ad un più rigoroso e misurato bianco e nero a matita di Disegno semplice. Il fatto che un disegno, o il disegno tout court come pratica, sia punto d’approdo (ovviamente momentaneo, poiché l’artista è ancora in moto) dell’evoluzione di Tessarollo, da un lato ribalta completamente l’idea preparatoria del medium, e dall’altro dà misura di come – lavorando – l’artista abbia svolto un percorso evolutivo inimmaginabile anche per coloro che ne sono fraternamente amici. E tale percorso sembra nascere per scarti in avanti e scarti di materiale, come se qualsiasi opera precedente fosse il bozzetto di quella successiva. Tessarollo sta cioè realizzando sempre e solo una stessa opera, caratterizzata però da forme differenti (molto spesso non riconoscibili esteticamente) poiché differenti sono gli aggiustamenti che le intemperie del quotidiano richiedono. Chi guarda deve solo ricercare le connessioni, poiché cambiare frequentemente stile/forma è di per sé uno stile.

Disegno semplice è un lavoro su carta che nasce da una foto realizzata ad opere pre-esistenti. Se generalmente molti artisti usano foto per dipingere o per trarre ispirazioni – il nostro è pur sempre un mondo fatto di immagini –, l’artista in questo caso ha scelto come fonte il ritratto di una propria opera. Il processo cronologicamente è il seguente: scultura, fotografia nel proprio studio, disegno. Se così l’opera iniziale è proiezione diretta dell’artista (dato che egli ha lasciato impresso la traccia delle proprie mani), alla fotografia è assegnato il ruolo mediale (di trasmissione dell’apparato iconografico e del sistema di segni), mentre il disegno che nasce dalla foto racconta invece il ritorno delle mani che lavorano; e, da un altro punto di vista, l’inconscia ossessione per voler lasciare traccia della propria presenza fisica. Al monito insieme lugubre e terreno del memento mori, Tessarollo oppone infatti il personale e liberatorio ricordati che devi vivere, frase che egli stesso ha scritto – non a caso – in un muro del proprio studio. È la sua vitalità da uccello che si muove sugli alberi che tesse e sorregge il filo attorcigliato che lega i tre stadi dell’opera, in cui il finale a sorpresa occupa il posto dell’introduzione.

Prende forma per una somma di fogli di carta infatti Disegno semplice (in realtà tutto il lavoro di Tessarollo è additivo, a partire proprio dalla scultura), quasi realizzata per addizione di tessere di un mosaico cui nemmeno l’artista aveva pensato. Ad un primo foglio ne seguono altri fino al compiersi di una crocifissione, in cui, al posto del consueto Cristo, sta una propria scultura (il che lascia il dubbio che l’opera sia in realtà un discorso su sé stessa, una metafora del proprio travaglio, in forma maieutica) e in basso si vedono, sul terreno, un teschio e qualche roccia. Il lavoro è disegnato per tratti, metodicamente, a spicchi di circonferenza che intrecciandosi fanno il chiaroscuro, con un criterio che ricorda molto l’incisione a punta secca. L’impatto è urticante, fastidioso, come se in un momento tragico, solenne, si sentisse un rumore inopportuno e spiazzante deflagrare in un ambiente sacro. Pare quasi di riconoscere la risata goliardica di Gino De Dominicis.

Daniele Capra

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Il Museo ospita i materiali archeologici che documentano la storia di Bologna, dalla preistoria all’età romana, e le collezioni egiziana, etrusca, greca, romana e numismatica.

Kiki Smith

Standing Nude

ed. 2/3, 2005

Bronzo e patina al nitrato d’argento

138 x 67 x 35,5 cm

Il lavoro di Kiki Smith è intenso e spesso correlato con il tema della materialità del corpo, della sua deperibilità e vulnerabilità e, in particolare, è il corpo femminile ad essere preso in esame. L’artista affronta tematiche comuni e quotidiane come l’identità, gli stereotipi sessuali, affiancandosi in ciò all’impegno di altre artiste di calibro internazionale come Nancy Spero. Standing nude é il tentativo di conferire un’unità formale e sostanziale all’ insieme di organi e fluidi che il corpo umano costituisce ed é, da questo punto di vista, una tappa fondamentale nel percorso creativo di Kiki Smith.

Costruito intorno al 1240 come ampliamento degli edifici comunali del Palazzo del Podestà in Piazza Maggiore, è uno dei simboli dello splendore di Bologna raggiunto durante l’età comunale. Il palazzo, che subì delle modifiche per mano di Antonio di Vincenzo alla fine del Trecento e del Dotti nel Settecento, fu restaurato all’inizo del Novecento da Alfonso Rubbiani che ne ripristinò l’aspetto gotico. Sotto il palazzo si apre la volta di un pittoresco quadrivio pedonale e sulla destra vi è l’accesso alla cappella di S.Maria dei Carcerati, costruita nel 1371, che dal 2003 ospita l’intervento permanente dell’artista inglese David Tremlett.

Luigi Presicce

La benedizione dei pavoni

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Spazio dedicato a mostre temporanee e alla realizzazione di eventi in collaborazione con soggetti pubblici e privati, Villa delle Rose si caratterizza per la sua suggestiva collocazione, al centro del grande parco del quartiere Saragozza, e per la sua semplice ed elegante architettura.

Spelling Dystopia trae il suo soggetto da Hashima, un’isola sulla costa giapponese con una storia affascinante. Interamente costruita dall’uomo, l’sola di cemento ha funzionato nel corso del Novecento come miniera di carbone. Nel periodo massimo della sua attività ha potuto ospitare fino a 5000 persone, al quel tempo il posto con la più alta densità di popolazione sulla Terra.  Abbandonata nel 1974 quando le sue risorse minerarie si sono esaurite, l’isola ha iniziato ad avere un’atmosfera spettrale ma allo stesso tempo ha guadagnato un’aura mitica nell’immaginario collettivo giapponese, favorito anche dal motivo di essere presente in Battle Royal II, un recente film di fastanscienza/avventura nipponico. Nina Fischer e Maroan el Sani hanno indagato il cambiamento di ruolo dell’isola attraverso la storia, raccogliendo non solo i racconti dei precedenti abitanti ma anche le impressioni di alcuni studenti di scuola superiore, che conoscono questi luoghi solo indirettamente tramite le sue rappresentazioni (ad esempio attraverso i manga e i videogame). Come molti progetti precedenti di Fischer el Sani, Sayonara Hashima si domanda come la memoria agisce, come un luogo si relazioni con la sua storia, sia dal punto di vista fisico e metaforico. Il film visualizza i cambiamenti che avvengono nella memoria collettiva e nella sua rielaborazione.

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Il Museo ospita i materiali archeologici che documentano la storia di Bologna, dalla preistoria all’età romana, e le collezioni egiziana, etrusca, greca, romana e numismatica.

Bert Theis

Algoville

2007

Photografia su telo

450 x 650 cm circa

Edizione 1 – opera unica  Courtesy Federico Bianchi Gallery, Milano

Bert Theis

Tirana pa makina

2007

Stampa digitale su telo

Cm 150 x 100

Courtesy Federico Bianchi Gallery, Milano

Il Museo ospita i materiali archeologici che documentano la storia di Bologna, dalla preistoria all’età romana, e le collezioni egiziana, etrusca, greca, romana e numismatica.

Il palazzo, attuale sede della Biblioteca Comunale, fu costruito fra il 1562 ed il 1563 per volere del Legato pontificio di Bologna, il cardinale Carlo Borromeo e del Vicelegato Pier Donato Cesi, su progetto dell’architetto bolognese Antonio Morandi detto Terribilia. Lo scopo dell’operazione, maturata nel clima culturale del Concilio di Trento, era quello di dare una sede unitaria all’insegnamento universitario fino allora disperso in varie sedi.

Moataz Nasr

The Towers of Love

2011

7 torri; 2 in terra refrattaria, 1 in ferro, 1 in bronzo, 1 in legno, 2 in cristallo

terra refrattaria

Il cortile del Palazzo Comunale, costruito nel 1425 dall’architetto bolognese Fiorante Fioravanti.

Jani Ruscica

Evolutions

2008

S16mm film transferred to digital beta and HD

18’20’’ loop

Jani Ruscica un artista italo-finlandese che utilizza principalmente il linguaggio cinematografico. Jani e’ una delle figure piu’ interessanti del panorama finlandese contemporaneo ed ha gia’ all’attivo mostre e residenze a livelo internazionale.

I suoi film, costruiti con raffinata tecnica ed una estrema cura a livello formale, rispecchiano il suo interesse e la sua ricerca sui diversi vissuti che si sono creati e sviluppati nei luoghi geografici in cui vive o si trova a soggiornare. La sua narrazione tende a ricreare una sorta di geografia umana  delle stratificazioni antropologiche che vi si sono contrapposte.

Attento alla narrazione per immagini, a un linguaggio simbolico, presenta ed arricchisce i suoi film con installazioni scultoreee che coinvolgono e avvolgono la visione dello spettatore.

Nel primo (premiato alla Kunstfilm Biennale di Colonia) un gruppo di adolescenti si interroga sull’origine del mondo e la visione di ognuno di loro viene messa in scena in studio con scenografie dense di rimandi alla storia del teatro. Nel secondo un gruppo di adulti parla della fine del mondo immersi di una realta’ scenica piu’ contemporanea arricchita da soluzioni tecnologiche, ma sempre fedele all’impostazione teatrale di tutto il lavoro.

Nel progetto per il Chiostro dello Scalzo realizza un lavoro inedito ispirato ad una riflessione sul modernismo e sulla pittura del Novecento, poiché interpreta e propone una sintesi tra pittura, scultura e architettura attraverso l’aggiunta della quarta arte: la musica. Parisi realizza un’installazione che occupa l’intero spazio del chiostro che viene irradiato dall’intensità del colore rosso-violetto, grazie all’azione della luce filtrata dal plexiglas colorato. In questo ambiente passato e presente si coniugano magistralmente. Gli affreschi di Andrea del Sarto notoriamente eseguiti con la tecnica del monocromo, si colorano di una luce contemporanea. Il giorno dell’inaugurazione 12 musicisti professionisti hanno eseguito una ‘sinfonia cromatica’ composta da modulazioni sonore e brani scelti a partire da tonalità comprese tra il rosso e il violetto, i confini ideali entro cui l’occhio umano è in grado di percepire tutti i colori, con l’intenzione di evocare potenzialmente tutte le possibili tonalità cromatiche ottenibili con la pittura.

La variazione della percezione diventa così un principio essenziale della pittura di Paolo Parisi. Questo cambiamento è il risultato di diverse strategie. una determinata colorazione delle vetrate può immergere la luce del giorno in un altro colore, per cui ogni oggetto che si trova nell’ambiente sprofonda in questo colore nuovo e diverso; e dopo un certo periodo di adattamento, l’occhio inizia ad abituarsi e il cambiamento diventa la norma, mentre tutto il resto, nella sua complementarietà, è alla ricerca di un nuovo gioco cromatico e di un nuovo bilanciamento. […] La pittura diventa così catalizzatore o impulso. La pittura di Paolo Parisi, infatti, ha in sé qualcosa di molto transitorio. È un racconto da un punto di osservazione che ha visto ed accettato il cambiamento e il movimento, e che in questi cambiamenti e movimenti tenta di identificare ciò che rimane costante, sempre uguale.

Helmut Friedel da Paolo Parisi: Observatorium, Gegen den Strom, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München, Luzern, Periferia, 2006.

Paolo Parisi

Benches for Everybody

2004

La galleria seicentesca con la volta a botte e le nicchie aperte alle pareti in capo allo scalone, interamente affrescata, fatta costruire della storica famiglia Pietramellara è diventata oggi teatro dello shopping esclusivo.